viernes, 30 de noviembre de 2012

Significado de la luz en el teatro:


La luz es una posibilidad adicional de significado en el escenario, pero no imprescindible como código.
Llamamos luz a las condiciones lumínicas con significado. Se llama iluminación al aparato técnico que las hace posibles.
La función práctica de la luz es la de hacer visible el espacio. La luz ilumina el lugar, lo hace evidente, de modo que aparezca como tal espacio. Junto a esta función práctica, la luz puede adoptar funciones simbólicas y significativas, pues todas las culturas han formado un código simbólico de la luz, basado en la contraposición entre luz y oscuridad, con sus matices de sombra, y en la alternancia de día y noche, con sus tiempos lumínicos intermedios. Por ejemplo, alba, aurora, amanecer, mañana, mediodía, tarde, atardecer, ocaso, noche, madrugada, forman un campo simbólico, no sólo natural, asociado a ideas y sentimientos.
En el teatro se emplea la luz tanto en su función práctica como simbólica, siempre que se pueda imitar o crear las condiciones semejantes a los efectos de iluminación que se quieran conseguir. En su segunda función, la simbólica, entró a formar parte del código teatral tardíamente, hace relativamente poco tiempo, pues su uso significativo hizo su aparición primero con la luz de gas y más adelante con la luz eléctrica y las nuevas tecnologías; entonces tomó carácter significativo, ya que existía la posibilidad técnica de manipularla y configurarla como código significativo.
Las representaciones en la Antigüedad y en la Edad Media se realizaban a la luz del día (mañana o tarde) y al aire libre, con lo cual la luz era la natural, tanto para espectadores como para el escenario. En el siglo XVII se pasó la representación a locales cerrados o semicerrados, y de la mañana o tarde se pasó a realizarla en la tarde o noche. Esto, sin embargo, no supuso la creación de un código significativo lumínico, puesto que se iluminaba por igual el escenario y la sala, mediante lámparas de velas o candiles de aceite, que se encendían uno por uno antes de la representación y se apagaban del mismo modo al concluirla; era imposible apagar y encender a media función. A veces se añadían en el escenario las llamadas candilejas, una fila superior o inferior, o ambas cosas, en el borde del escenario, pero tampoco se podían encender y apagar durante la función, sino al comenzar y al terminar ésta. Este tipo de luz escénica, que sólo sirve para visibilizar el espacio, no se puede llamar propiamente signo teatral. En el siglo XX, algunos autores y directores de escena, renuncian al uso de la luz como código de significado, prefiriendo una iluminación general y “natural”, como hizo Bertolt Brecht, pero en ese caso, al existir ya un código lumínico teatral, la renuncia a él tenía también un valor de signo negativo, el rechazo a la ilusión y a la inmersión propias del teatro burgués.
La luz como signo en el teatro funciona en razón de su intensidad, su color, su distribución y su movimiento, posibilidades que ofrecen las modernas tecnologías. Una de sus funciones significativas básicas consiste en dar a entender la luz: solar, lunar, de antorchas, de velas, de un arco iris, de tormenta, de neón, etc. La luz en teatro se representa a sí misma y se crea como un tipo concreto de luz, el cual pertenece a un código cultural simbólico, que lleva consigo todos sus significados concretos: día, noche, sombra, penumbra, etc.
Puede, por tanto, connotar otros significados, que aluden al lugar, al tiempo, a los personajes, etc. Gracias a las técnicas de iluminación se pueden crear efectos que hace un siglo solamente eran inimaginables. Con ayuda de la luz (el aparato técnico de iluminación), se pueden aislar y concentrar la atención sobre determinados signos: partes del decorado, gestos o movimientos de los actores, accesorios.
Estas son las diferentes posibilidades de significado de la luz:
  1. Puede dar a entender un lugar: rayos discontinuos y móviles pueden significar un bosque, por ejemplo. Puede remitir a una cueva, si se concentra en tubo, al interior de una catedral, a una habitación, etc., e incluso puede sustituir el decorado en su totalidad.
  2. Puede indicar procesos meteorológicos, fenómenos naturales y sucesos sociales, o sea, crea situaciones y acciones, a veces en asociación con signos acústicos no verbales (ruidos).
  3. Puede aportar significados referidos a la identidad de los personajes, aislándolos o destacándolos, por color o por intensidad.
  4. Crea atmósferas y ambientes, siguiendo códigos culturales previos. Se identifica la luz clara y cálida, por ejemplo, con la tranquilidad; la luz lunar, fría y azul, con el misterio, lo romántico. De este modo puede transmitir sentimientos: recogimiento, euforia, intriga, e incluso ideas, como en una apoteosis celestial al final de un auto sacramental, por ejemplo, que significaría el triunfo de la espiritualidad.
En conclusión, la luz, desde su aparición como código teatral potencial, cuando pudo ser manejada técnicamente en el escenario, se ha constituido como un elemento teatral creador de significados adicionales.




 Aqui os dejamos un video de los distintos tipos de luces que hay en el teatro el video es 3D


lunes, 26 de noviembre de 2012



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Teatro Lope de Vega


Teatros - Sevilla, Santa Cruz, Avenida María Luisa s/n.

Centro TNT

 

 - Sevilla, Barriada Pino Montano, Parque de Despeñaperros, 1.



Teatro Alameda




Teatros
 - Sevilla, San Gil, Crédito, 13.



Sala El Cachorro

 

Centros culturales - Sevilla, Triana Casco Antiguo, Procurador, 19.


Teatro Maestranza

 

Teatros - Sevilla, Arenal, P.º Cristóbal Colón, 22.


Sala Cero Teatro

 

Teatros - Sevilla, Santa Catalina, Sol, 5 .

Sala Fli


Teatros - Sevilla, El Juncal-Hispalís, Raso, 3.




Teatro Quintero

 

Teatros - Sevilla, Alfalfa, Cuna, 15.



Sala La Imperdible

 


Teatros

 - Sevilla, San Lorenzo, Plaza San Antonio de Padua, 9.

Teatro Salvador Távora de La Cuadra de Sevilla


Teatros - Sevilla, El Juncal-Hispalís, Lino, 8.


Sala La Fundición


Teatros - Sevilla, Santa Cruz, Habana, 18.

Sala de Teatro Duque

 

Teatros - Sevilla, Encarnación-Regina, Plaza del Duque de la Victoria , s/n.


Teatro Imperial

 

Teatros - Sevilla, Alfalfa, Sierpes, 25.


Sala de Teatro La Nave


Teatros - Sevilla, Autovía Sevilla-Cádiz, Km. 55, Nave 7.


 Video en el teatro tnt es un pequeño trailer de 

Las olorosas aventuras de William Calderón.



martes, 20 de noviembre de 2012

Maquillaje escenico. SombraLos diferentes  tipos de sombras son otro elemento necesario en el staff de este especialista. Existen de variados colores, pero en el teatro son utilizados sobre todo los tonos carmelitas o café, los grises y por supuesto los blancos y los negros. A menos que se vaya a interpretar un personaje de digamos, los años ochenta, estos deben ser los colores usados en los párpados para evitar las estridencias.

Maquillaje escenico. RimelLos rímeles y delineadores   tampoco deben faltar. Los primeros embellecen las pestañas alargándolas y modificando su forma natural. Son aconsejables en negro y color carmelita oscuro (marrón). Los delineadores de ben ser en color negro, carmelita oscuro, verde y azul y deben ser preferentemente lápices no delineadores líquidos. Estos últimos endurecen la mirada y siempre se corre el riesgo de que “escurran” por el rostro .
              . El principal objetivo del delineador es definir el arco de pestañas del párpado superior sin marcarlo, sino más bien difuminarlo y darle una cierta profundidad a la mirada.
 Otros materiales necesarios son aquellos que sirven para aplicar el maquillaje y que reciben distintos nombres en dependencia de la función que realice.

Maquillaje escenico. Brochas

Están los cepillos. Se debe tener como mínimo cinco. Uno de cerdas suaves para remover el polvo excedente, dos de tamaño mediano y de pelo más fuerte que el anterior para limpiar las cejas, uno pequeño para pintar las pestañas (los aplicadores que vienen en los frascos de rímel sirven perfectamente para este fin) y uno parecido a un cepillo de dientes para pintar las canas en el maquillaje de caracterización.
 En segundo lugar estarían las motas. Estas se utilizan para extender sobre el rostro bases, polvos y coloretes. Para las bases líquidas y grasas lo ideal es utilizar motas de goma e igualmente esponjas naturales que también sirven para las bases secas. Las motas de tela son las mejores para polvos y coloretes (secos).
Entre los materiales a tener siempre a mano existen otros que son específicos del maquillaje para teatro. Entre ellos están:
Mastick: pegamento para postizos de pelo o masilla. Este tipo de goma de pegar es fácilmente disuelto por el alcohol.
Pasta adhesiva: pegamento sin brillo que sirve para pegar barbas de pocos días o poco pobladas.
Masilla: usada para fingir deformaciones y abultamientos en el rostro.
Colodium elástico: para hacer pequeñas heridas.
Colodium simple: para realizar cicatrices.
Esmalte para dientes: existen en color blanco, negro y marrón. El blanco se usa para embellecer los dientes y dar la impresión de una dentadura deslumbrante; el negro, cuando queremos hacer desaparecer un diente o toda la dentadura y finalmente el marrón para hacer aparecer manchas en ellos provocadas por el café, la nicotina, etcétera.
Sangre artificial o pancromática: para heridas sangrantes o simplemente para fingir la presencia de sangre en la escena.
Crepé de pelo: usado para falsear barbas, bigotes y cabellos en forma de implantes.
Crepé sintético: básicamente es utilizado para lo mismo que el anterior excepto que se realiza sobre el propio rostro.
Blanqueador de cabello: existe líquido y en polvo, pero su objetivo es el mismo: encanecer total o parcialmente cabellos, barbas y bigotes.
Algodón: para limpiar el rostro y como relleno.
Pestañas postizas: para embellecer los ojos.
Alcohol: para quitar los postizos y el mastick.
Glicerina: para imitar cuerpos sudorosos y lágrimas.
Brillantina: para los peinados y para darle vida a los postizos.
Todos estos materiales le sirven al especialista en maquillaje para poder lograr una caracterización lo más orgánica posible al personaje que debe darle vida, a tono con la obra llevada a escena.





JadeFX Workshop: Special make-up










Special Effects Make Up of SPECIES: The Awakening



 

lunes, 5 de noviembre de 2012

Tipos de teatro

Las distintas clasificaciones del teatro

Clasificación por tipos:

Tragedia: Es el género dramático tradicional, donde el argumento versa sobre un asunto desgraciado con un desenlace fatal. En este género intervienen personajes nobles o heroicos.
Comedia: Es un género teatral tradicional contrapuesto al de la tragedia, donde el desenlace es alegre y optimista. Está destinado a despertar la risa del espectador y está asociado con las clases bajas.
Drama: Es el género donde se representan acciones de la vida, tratando asuntos serios y profundos por medio del diálogo. Este género puede dividirse en: drama histórico, drama isabelino, drama lírico, drama social, drama litúrgico, drama satírico.
Tragicomedia: Es la obra que combina el género trágico con la comedia. Se desarrolló a partir del Renacimiento. No marca diferencias sociales y emplea diversos lenguajes.
Paso: Es una obra dramática corta que trata un hecho sencillo de tratamiento cómico empleando un lenguaje realista. Se considera el precursor del entremés.
Entremés: Es una pieza teatral cómica en un único acto, surgida en España en el siglo XVI. Solían representarse en los intermedios de las obras dramáticas y de allí su nombre.
Auto sacramental: Son obras que representan episodios bíblicos, temas morales o religiosos. Solían representarse en los templos o en los pórticos de las iglesias.
Monólogo: Es una obra dramática interpretada por un solo autor, aunque pueden intervenir varios personajes. Se trata de un parlamento único que puede ser pronunciado en soledad o frente a otros personajes.
Farsa: Es una obra cómica que a diferencia de la comedia, no necesita tratar sobre un asunto verosímil o realista.
Vodevil: Es una comedia en la cual se entremezclan canciones y bailes, con carácter alegre, frívolo y amoroso. Ganó popularidad en Francia en los siglos XVIII y XIX.
Ópera: Es una obra teatral donde los diálogos se desarrollan a través del canto fundamentalmente. Originada en Italia a fines del siglo XVI, puede dividirse en : ópera seria, romántica, bufa, legendaria, etc.
Zarzuela: Obra dramática y musical que alterna parlamentos dialogados con canciones. Es un género español creado por Calderón de la Barca en su pieza “El jardín de Farelina” (1648) o por Lope de Vega en “La selva sin amor” (1629).
Sainete: Obra breve y jocosa de carácter popular, donde se ridiculizan costumbres y vicios sociales. Es un heredero del entremés.
Género chico: Es un género español de argumento simple y de poco contenido, que se desarrolla en menos de una hora en un escenario con un único decorado.


Clasificacion por tipos de teatro

Pantomima: Es el tipo teatro físico que se representa sin utilizar la palabra y empleando el gesto en su sustitución. Para expresar las distintas situaciones de manera comprensible, este tipo de teatro emplea códigos muy estrictos en los movimientos. Este tipo teatral es heredero del teatro de pantomima clásico.

Teatro de títeres y marionetas: Estos tipos de teatro emplean muñecos en lugar de actores y representan situaciones humanas o animales de forma análoga a cómo lo harían los actores. Este tipo de teatro generalmente está destinado al público infantil.

Teatro de sombras: Este tipo teatral originado en China e India también emplea muñecos en lugar de actores, con la particularidad de que el público jamás observa directamente a los muñecos, sino sus sombras que se proyectan sobre una pantalla que está frente al espectador. Está considerado como uno de los antecedentes del cine.


Teatro negro: Este tipo de teatro se sirve de los efectos visuales para lograr la ilusión de objetos animados. El ojo humano no es capaz de distinguir objetos negros sobre negro y este es el fundamento del teatro negro. Es un teatro de manipulación de objetos donde los “titiriteros” están completamente vestidos de negro y manipulan objetos que son expuestos a luz negra y que parecen virtualmente levitar por sí mismos. La compañía más famosa en este tipo de teatro es el Teatro Negro de Praga.
Teatro callejero: Es una forma de teatro que trata de acercar el espectáculo teatral a las masas. Es un teatro que se representa en espacios públicos al aire libre y que puede tener alguna clase de escenografía o prescindir de ella totalmente. El estilo de representación es diferente al que se emplea en el teatro en sala debido al entorno. En estas obras se suele aprovechar el espacio como parte de la obra y suele ser interactivo. Una de las variantes del teatro callejero es el teatro invisible, donde el público no tiene conocimiento de que está presenciando una obra teatral.