La utilería o atrezo (del it. atrezzo), tanto en el teatro como en el cine y la televisiòn, es el conjunto de objetos y enseres que aparecen en escena.Son accesorios utilizados por los personajes para interactuar durante
una representación artística, o pequeños elementos que complementan la escenografìa (como un jarrón o un cuadro) y el vestuario
(como la bisutería o un reloj de pulsera). Junto con el vestuario y la
escenografía, la utilería forma parte de los recursos necesarios para la
representación teatral.
Entre algunos ejemplos de utilería se encuentran objetos de uso
cotidiano, como lo son mesas, sillas, tazas, platos, monedas, etc.
Dependiendo de la trama de la obra teatral, la utilería se basa en el
ambiente del texto o en la ambientación escogida por el director para su puesta en escena. Pueden ser objetos comunes o creados por el autor, el figurinista o el escenògrafo.Asimismo, la utilería puede ser elaborada por el equipo técnico de un montaje teatral, y en particular los utileros.
Se distinguen varios tipos de utilería según la utilización de los objetos:
Utilería enfática: reagrupa a los objetos que resultan
indispensables para el desarrollo de la acción, la comprensión de la
trama o la psicología de un personaje. Por ejemplo la copa de vino
envenenado que provocará la muerte de un personaje, las gafas de un
personaje con problemas de vista, o el reloj de pared que queda parado
marcando la hora de un acontecimiento clave.
Utilería de personaje o de mano: son los objetos manipulados por los actores en escena, como un paraguas, un periódico leído por un actor o un bolso.
Utilería de escena: son los objetos que, como parte
integrante del decorado, permanecen en escena durante toda la escena o
la representación. Por ejemplo, un cuadro en una pared, una alfombra, un
teléfono fijo o un televisor sobre un mueble.
Por otro lado, los elementos de utilería que pueden ser utilizados por los actores como en la vida real se califican de practicables:
por ejemplo un grifo del que sale agua al accionar el mando o una
lámpara que se enciende al presionar su interruptor, se llaman "grifo
practicable" y "lámpara practicable".
Iluminación de escenario de teatro puede producir una
amplia gama de efectos, desde la práctica artística. Técnicos utilizan
instrumentos de iluminación de escenario de teatro para iluminar producciones
teatrales, conciertos, actuaciones en directo, TV estudios, etapas de sonido y
mucho más. En general, equipos de iluminación de teatro se divide en dos
categorías principales: proyector y focos, cada tipo incluye una gama de
instrumentos de iluminación.
Proyector
ilumina amplias áreas con luz difusa, mientras focos producen un haz más
estrecho, más centrado en un tema. Luces PAR (luces de reflector parabólico de
aluminio), luces de franja, luces de cuchara y luces del escenario LED (diodo
emisor de luz) entran en la categoría de “iluminación”.
· Luces PAR son piezas ligeros y duraderos de
equipos de iluminación de teatro y el trabajo bien para aquellos con un
presupuesto. Para la iluminación de escenario del teatro, a menudo se utilizan
para efectos especiales y arriba, atrás o luces de lado; son también usadas con
máquinas de humo o niebla.
· Luces de franja constan de varias lámparas
dispuestas en una pieza de equipo de iluminación de teatro. Se utiliza a menudo
con geles de color, estos se utilizan normalmente para la iluminación de la
cortina de espalda de una etapa y a menudo se instalan para uso permanente.
· Primicia luces son relativamente baratas,
libre de lente luces circulares que no pueden ser enfocadas. Puede utilizarse
con geles de color y funcionan bien a la luz un escenario completo desde
arriba, o a la luz un telón de fondo del escenario.
· Luces LED consumen relativamente poca
potencia de salida que ofrecen. LED puede producir casi cualquier color
necesario para iluminación de escenario de teatro a través de mezcla de color
aditivo, combinación de rojo, verde y azul en diferentes intensidades. Luces
LED pueden utilizarse en lugar de otros equipos de iluminación de teatro de
lámpara de halógeno.
Focos
incluyen cualquier tipo de material de iluminación de teatro que produce un haz
de luz enfocado. Tipos incluyen Fresnels y focos de reflector elipsoidal.
· Fresnels funciona bien cuando se utiliza en
distancias de medias para la iluminación de escenario del teatro. Comúnmente se
utilizan para crear sombras suaves, contraluz, luz superior y luz lateral.
· Focos de reflector elipsoidal (ERSs) son
piezas flexibles de equipos de iluminación de teatro y pueden utilizarse para
crear efectos de iluminación de escenario de teatro más. Gobos se suelen
utilizar con ERSs para producir una variedad de formas de iluminación o
patrones.
La luz es una posibilidad adicional de significado en el escenario, pero no imprescindible como código.
Llamamos luz a las condiciones lumínicas con significado. Se llama iluminación al aparato técnico que las hace posibles.
La función práctica de la luz es la de hacer visible el espacio. La luz ilumina el lugar, lo hace evidente, de modo que aparezca como tal espacio. Junto a esta función práctica, la luz puede adoptar funciones simbólicas y significativas, pues todas las culturas han formado un código simbólico de la luz, basado en la contraposición entre luz y oscuridad, con sus matices de sombra, y en la alternancia de día y noche, con sus tiempos lumínicos intermedios. Por ejemplo, alba, aurora, amanecer, mañana, mediodía, tarde, atardecer, ocaso, noche, madrugada, forman un campo simbólico, no sólo natural, asociado a ideas y sentimientos.
En el teatro se emplea la luz tanto en su función práctica como simbólica, siempre que se pueda imitar o crear las condiciones semejantes a los efectos de iluminación que se quieran conseguir. En su segunda función, la simbólica, entró a formar parte del código teatral tardíamente, hace relativamente poco tiempo, pues su uso significativo hizo su aparición primero con la luz de gas y más adelante con la luz eléctrica y las nuevas tecnologías; entonces tomó carácter significativo, ya que existía la posibilidad técnica de manipularla y configurarla como código significativo.
Las representaciones en la Antigüedad y en la Edad Media se realizaban a la luz del día (mañana o tarde) y al aire libre, con lo cual la luz era la natural, tanto para espectadores como para el escenario. En el siglo XVII se pasó la representación a locales cerrados o semicerrados, y de la mañana o tarde se pasó a realizarla en la tarde o noche. Esto, sin embargo, no supuso la creación de un código significativo lumínico, puesto que se iluminaba por igual el escenario y la sala, mediante lámparas de velas o candiles de aceite, que se encendían uno por uno antes de la representación y se apagaban del mismo modo al concluirla; era imposible apagar y encender a media función. A veces se añadían en el escenario las llamadas candilejas, una fila superior o inferior, o ambas cosas, en el borde del escenario, pero tampoco se podían encender y apagar durante la función, sino al comenzar y al terminar ésta. Este tipo de luz escénica, que sólo sirve para visibilizar el espacio, no se puede llamar propiamente signo teatral. En el siglo XX, algunos autores y directores de escena, renuncian al uso de la luz como código de significado, prefiriendo una iluminación general y “natural”, como hizo Bertolt Brecht, pero en ese caso, al existir ya un código lumínico teatral, la renuncia a él tenía también un valor de signo negativo, el rechazo a la ilusión y a la inmersión propias del teatro burgués.
La luz como signo en el teatro funciona en razón de su intensidad, su color, su distribución y su movimiento, posibilidades que ofrecen las modernas tecnologías. Una de sus funciones significativas básicas consiste en dar a entender la luz: solar, lunar, de antorchas, de velas, de un arco iris, de tormenta, de neón, etc. La luz en teatro se representa a sí misma y se crea como un tipo concreto de luz, el cual pertenece a un código cultural simbólico, que lleva consigo todos sus significados concretos: día, noche, sombra, penumbra, etc.
Puede, por tanto, connotar otros significados, que aluden al lugar, al tiempo, a los personajes, etc. Gracias a las técnicas de iluminación se pueden crear efectos que hace un siglo solamente eran inimaginables. Con ayuda de la luz (el aparato técnico de iluminación), se pueden aislar y concentrar la atención sobre determinados signos: partes del decorado, gestos o movimientos de los actores, accesorios.
Estas son las diferentes posibilidades de significado de la luz:
Puede dar a entender un lugar: rayos discontinuos y móviles pueden significar un bosque, por ejemplo. Puede remitir a una cueva, si se concentra en tubo, al interior de una catedral, a una habitación, etc., e incluso puede sustituir el decorado en su totalidad.
Puede indicar procesos meteorológicos, fenómenos naturales y sucesos sociales, o sea, crea situaciones y acciones, a veces en asociación con signos acústicos no verbales (ruidos).
Puede aportar significados referidos a la identidad de los personajes, aislándolos o destacándolos, por color o por intensidad.
Crea atmósferas y ambientes, siguiendo códigos culturales previos. Se identifica la luz clara y cálida, por ejemplo, con la tranquilidad; la luz lunar, fría y azul, con el misterio, lo romántico. De este modo puede transmitir sentimientos: recogimiento, euforia, intriga, e incluso ideas, como en una apoteosis celestial al final de un auto sacramental, por ejemplo, que significaría el triunfo de la espiritualidad.
En conclusión, la luz, desde su aparición como código teatral potencial, cuando pudo ser manejada técnicamente en el escenario, se ha constituido como un elemento teatral creador de significados adicionales.
Aqui os dejamos un video de los distintos tipos de luces que hay en el teatro el video es 3D
Materiales y productos materiales y productos más utilizados en teatro.
Los diferentes tipos de sombras son otro elemento necesario en el staff de este especialista. Existen de variados colores, pero en el teatro son utilizados sobre todo los tonos carmelitas o café, los grises y por supuesto los blancos y los negros. A menos que se vaya a interpretar un personaje de digamos, los años ochenta, estos deben ser los colores usados en los párpados para evitar las estridencias.
Los rímeles y delineadores tampoco deben faltar. Los primeros embellecen las pestañas alargándolas y modificando su forma natural. Son aconsejables en negro y color carmelita oscuro (marrón). Los delineadores de ben ser en color negro, carmelita oscuro, verde y azul y deben ser preferentemente lápices no delineadores líquidos. Estos últimos endurecen la mirada y siempre se corre el riesgo de que “escurran” por el rostro . . El principal objetivo del delineador es definir el arco de pestañas del párpado superior sin marcarlo, sino más bien difuminarlo y darle una cierta profundidad a la mirada. Otros materiales necesarios son aquellos que sirven para aplicar el maquillaje y que reciben distintos nombres en dependencia de la función que realice.
Están los cepillos. Se debe tener como mínimo cinco. Uno de cerdas suaves para remover el polvo excedente, dos de tamaño mediano y de pelo más fuerte que el anterior para limpiar las cejas, uno pequeño para pintar las pestañas (los aplicadores que vienen en los frascos de rímel sirven perfectamente para este fin) y uno parecido a un cepillo de dientes para pintar las canas en el maquillaje de caracterización. En segundo lugar estarían las motas. Estas se utilizan para extender sobre el rostro bases, polvos y coloretes. Para las bases líquidas y grasas lo ideal es utilizar motas de goma e igualmente esponjas naturales que también sirven para las bases secas. Las motas de tela son las mejores para polvos y coloretes (secos). Entre los materiales a tener siempre a mano existen otros que son específicos del maquillaje para teatro. Entre ellos están: - Mastick: pegamento para postizos de pelo o masilla. Este tipo de goma de pegar es fácilmente disuelto por el alcohol. - Pasta adhesiva: pegamento sin brillo que sirve para pegar barbas de pocos días o poco pobladas. - Masilla: usada para fingir deformaciones y abultamientos en el rostro. - Colodium elástico: para hacer pequeñas heridas. - Colodium simple: para realizar cicatrices. - Esmalte para dientes: existen en color blanco, negro y marrón. El blanco se usa para embellecer los dientes y dar la impresión de una dentadura deslumbrante; el negro, cuando queremos hacer desaparecer un diente o toda la dentadura y finalmente el marrón para hacer aparecer manchas en ellos provocadas por el café, la nicotina, etcétera. - Sangre artificial o pancromática: para heridas sangrantes o simplemente para fingir la presencia de sangre en la escena. - Crepé de pelo: usado para falsear barbas, bigotes y cabellos en forma de implantes. - Crepé sintético: básicamente es utilizado para lo mismo que el anterior excepto que se realiza sobre el propio rostro. - Blanqueador de cabello: existe líquido y en polvo, pero su objetivo es el mismo: encanecer total o parcialmente cabellos, barbas y bigotes. - Algodón: para limpiar el rostro y como relleno. - Pestañas postizas: para embellecer los ojos. - Alcohol: para quitar los postizos y el mastick. - Glicerina: para imitar cuerpos sudorosos y lágrimas. - Brillantina: para los peinados y para darle vida a los postizos. Todos estos materiales le sirven al especialista en maquillaje para poder lograr una caracterización lo más orgánica posible al personaje que debe darle vida, a tono con la obra llevada a escena.
Tragedia: Es el género dramático tradicional, donde el argumento versa sobre un asunto desgraciado con un desenlace fatal. En este género intervienen personajes nobles o heroicos.
Comedia: Es un género teatral tradicional contrapuesto al de la tragedia, donde el desenlace es alegre y optimista. Está destinado a despertar la risa del espectador y está asociado con las clases bajas.
Drama: Es el género donde se representan acciones de la vida, tratando asuntos serios y profundos por medio del diálogo. Este género puede dividirse en: drama histórico, drama isabelino, drama lírico, drama social, drama litúrgico, drama satírico.
Tragicomedia: Es la obra que combina el género trágico con la comedia. Se desarrolló a partir del Renacimiento. No marca diferencias sociales y emplea diversos lenguajes.
Paso: Es una obra dramática corta que trata un hecho sencillo de tratamiento cómico empleando un lenguaje realista. Se considera el precursor del entremés.
Entremés: Es una pieza teatral cómica en un único acto, surgida en España en el siglo XVI. Solían representarse en los intermedios de las obras dramáticas y de allí su nombre.
Auto sacramental: Son obras que representan episodios bíblicos, temas morales o religiosos. Solían representarse en los templos o en los pórticos de las iglesias.
Monólogo: Es una obra dramática interpretada por un solo autor, aunque pueden intervenir varios personajes. Se trata de un parlamento único que puede ser pronunciado en soledad o frente a otros personajes.
Farsa: Es una obra cómica que a diferencia de la comedia, no necesita tratar sobre un asunto verosímil o realista.
Vodevil: Es una comedia en la cual se entremezclan canciones y bailes, con carácter alegre, frívolo y amoroso. Ganó popularidad en Francia en los siglos XVIII y XIX.
Ópera: Es una obra teatral donde los diálogos se desarrollan a través del canto fundamentalmente. Originada en Italia a fines del siglo XVI, puede dividirse en : ópera seria, romántica, bufa, legendaria, etc.
Zarzuela: Obra dramática y musical que alterna parlamentos dialogados con canciones. Es un género español creado por Calderón de la Barca en su pieza “El jardín de Farelina” (1648) o por Lope de Vega en “La selva sin amor” (1629).
Sainete: Obra breve y jocosa de carácter popular, donde se ridiculizan costumbres y vicios sociales. Es un heredero del entremés.
Género chico: Es un género español de argumento simple y de poco contenido, que se desarrolla en menos de una hora en un escenario con un único decorado.
Clasificacion por tipos de teatro
Pantomima: Es el tipo teatro físico que se representa sin utilizar la palabra y empleando el gesto en su sustitución. Para expresar las distintas situaciones de manera comprensible, este tipo de teatro emplea códigos muy estrictos en los movimientos. Este tipo teatral es heredero del teatro de pantomima clásico.
Teatro de títeres y marionetas: Estos tipos de teatro emplean muñecos en lugar de actores y representan situaciones humanas o animales de forma análoga a cómo lo harían los actores. Este tipo de teatro generalmente está destinado al público infantil.
Teatro de sombras: Este tipo teatral originado en China e India también emplea muñecos en lugar de actores, con la particularidad de que el público jamás observa directamente a los muñecos, sino sus sombras que se proyectan sobre una pantalla que está frente al espectador. Está considerado como uno de los antecedentes del cine.
Teatro negro: Este tipo de teatro se sirve de los efectos visuales para lograr la ilusión de objetos animados. El ojo humano no es capaz de distinguir objetos negros sobre negro y este es el fundamento del teatro negro. Es un teatro de manipulación de objetos donde los “titiriteros” están completamente vestidos de negro y manipulan objetos que son expuestos a luz negra y que parecen virtualmente levitar por sí mismos. La compañía más famosa en este tipo de teatro es el Teatro Negro de Praga.
Teatro callejero: Es una forma de teatro que trata de acercar el espectáculo teatral a las masas. Es un teatro que se representa en espacios públicos al aire libre y que puede tener alguna clase de escenografía o prescindir de ella totalmente. El estilo de representación es diferente al que se emplea en el teatro en sala debido al entorno. En estas obras se suele aprovechar el espacio como parte de la obra y suele ser interactivo. Una de las variantes del teatro callejero es el teatro invisible, donde el público no tiene conocimiento de que está presenciando una obra teatral.
Es difícil señalar unas corriente definida en la dramaturgia actual. Puede apuntarse, en todo caso, el resurgimiento de un teatro social, de tintes costumbristas y críticos, y la importancia que se concede a los distintos aspectos de la representación -montaje, escenografía, juegos de luces o sonidos, etc.-, en detrimento del texto, que con frecuencia queda relegado a un segundo lugar. El Teatro Actual persigue la identificación con el personaje y se debe a que el carácter del personaje está ubicado socialmente en algún contexto y en algunos casos puede afrontar problemas personales, que a su vez, se reflejaran ante los ojos del espectador como problemas sociales reales de su vida, mientras que el personaje podría ser percibido como cualquier miembro de la sociedad o el espectador identificarse en su carácter personal. También puede pasar que el espectador no sienta nada.
. Esto se debe a sus caracteres reales humanos. Como mencionáramos anteriormente, El personaje se sumerge en contextos sociales humanos y podríamos decir que de esta manera vemos y vivimos la “realidad” a través de ese personaje echando un poco al lado la textualidad de la obra. Los personajes y obras, buscando un carácter más cotidiano y un querer aparentar eso mismo, cierta informalidad, no son presentados de una manera idealizada, sino que son presentados como “lo que son”. Estos temas pueden ser en cierta medida tabúes sociales.
También pueden utilizarse hechos históricos y ser presentados quizás desde otra perspectiva, como por ejemplo las guerras, revoluciones, genocidios, militarismo, esclavitud, colonialismo, etc. En cierta manera se puede decir que la estructura del Teatro Actual al tocar temas como estos trata o logra dislocar un poco la moralidad del espectador, para que este apruebe o desapruebe alguna de dichas conductas incluidas en los temas, Así permite que el espectador sea parte de la trama a medida que se identifica con ese personaje puesto en escena. el espectador puede conocer las prioridades del personaje, lo que siente y hasta como reaccionaría.
Video Book de Paco Enterria,presentación original de su
s trabajos.
1º El maquillador debe poseer un alto grado de observación y de lógica para poder hacer creíble su trabajo, esto significa que debe ser capaz de extraer de la vida cotidiana aquellos elementos que le serán vitales en su trabajo para caracterizar los personajes, aplicando siempre la lógica de lo diario para que éste sea verosímil.
2º Para lograr un buen maquillaje de caracterización el especialista debe conocer muy bien la obra con la que debe trabajar y realizar el primer día de los ensayos generales una carta y ficha de maquillaje para cada uno de los actores de la puesta que facilitarán su trabajo posterior.
3º Modelo de carta.
4ºNombre de la obra y Género del personaje.
5º Nombre del actor o actriz.
6º Base Colorete Polvos Pestañas Cejas Ojos (acento) Sombras Barra labial Postizos (si los lleva)
7º Útiles y materiales a utilizar en general.
8º Nombre de la obra y Época: Permite saber la forma en que se maquillará al actor para lograr el personaje, porque en todas las épocas las personas no han lucido de la misma manera.
9º Nombre del actor.
10º Edad del actor: Este elemento es necesario para sabe si su edad está acorde con la del personaje o no.
11º Datos significativos del actor: Aquí es necesario conocer los rasgos más destacados de la fisonomía del actor con el fin de poderlos disimular o por el contrario, utilizar en la construcción del personaje.
12º Nombre del personaje.
13ºCondición social del personaje.
14º Edad del personaje: Este elemento es necesario para sabe si hay que envejecer o rejuvenecer al actor.
15º Apariencia Agradable, desagradable, guapo, feo, etc.
16º Estado de salud: Saludable, enfermo, qué tipo de enfermedad tiene.
17º Carácter: Características de éste para realizar una mejor caracterización.
18º Color de la piel.
19º Color del cabello.
20º Peinado que lleva.
21º Defectos físicos (si los tuviera) Para poder trucarlos a la hora de la caracterización.
22º Tamaño de las manos Para una imagen general del personaje.
23º Características de las manos ídem al anterior.
24º Forma del cuello ídem al anterior.
25º Una vez se tenga confeccionada la carta y la ficha de maquillaje se procederá a la compilación y distribución de los materiales a utilizar entre los que ocupan un lugar destacado los postizos. Los postizos pueden ser de masilla o de pelo, según lo requiera el personaje. Los de masilla son excelentes para teatro, cine e incluso para usar en la televisión.
En un plano escénico, se garantiza la caracterización de un personaje
mediante la aplicación de técnicas de peluquería, implantes y
maquillaje. Los cambios que permitirán adaptar la fisonomía del
intérprete a las características del personaje que interpreta; teniendo
en cuenta los imperativos de la producción y/o escénicos. Asimismo,
define el proceso y establece los plazos para ajustarse a las
necesidades de la planificación general del espectáculo.
Este profesional también coloca las pelucas, postizos, prótesis, y
cuando procede, da las indicaciones técnicas al personal a su cargo o a
los intérpretes para su colocación. Además debe ser capaz de realizar su
labor teniendo en cuenta los diferentes protocolos de actuación en
relación con los actores y en los diferentes géneros escénicos.
Autora entrada: Eva Muñoz Poto
lunes, 15 de octubre de 2012
Hoy os vamos a explicar un poco los materiales basicos que se pueden utilizar en teatro a la hora de maquillar.
Os lo explicaremos en dos bloques distintos:
Los materiales para aplicar los diferentes tipos de maquillaje son esencialmente los mismos que utilizamos en el llamado maquillaje “social” o “de diario”, aunque por supuesto que existen otros recursos que se utilizan fundamentalmente en el maquillaje correctivo, así como en el de caracterización.
Los primeros materiales a tener en cuenta son las bases.
Estas son de tres tipos:
- Base grasa: es la más efectiva debido a su efecto más duradero. Es la que más se debe utilizar, excepto en el caso de las pieles demasiado grasas. Existen en varios tonos y colores lo que posibilita la imitación de las distintas razas.
- Base seca: es la base que menos se utiliza en teatro y cuando se hace es para pequeños papeles sin mucha importancia, principalmente para las pieles grasas. También existen en diferentes tonos.
- Base líquida: esta es la base ideal para cubrir grandes superficies como muslos, piernas o torsos desnudos. Es de muy fácil aplicación e igual que las dos anteriores, existe en varios tonos.
El segundo material sería el colorete.
Al igual que sucede con las bases es posible encontrarlo de las tres maneras: graso, seco (en polvo) y líquido. Cada uno de ellos deberá ser aplicado de acuerdo a la base utilizada. Por ejemplo, el colorete graso podrá ser aplicado con base líquida y viceversa
Sobre éste irían los polvos.
Estos se deben tener en diferentes tonalidades siempre de acuerdo al color de las bases, porque sirven para “fijarlas” al rostro y darle un acabado mate al rostro, o sea, “matar” los brillos que quedan después de la aplicación de éstas.
El creyón labial, barra de pintura labial o simplemente labiales es otro elemento indispensable para el maquillador. Siempre deberá tener en su haber varios tonos de rojo, algunos tonos suaves que luzcan naturales, algún carmelita y marrón oscuro y color blanco para aclarar en algunas ocasiones. La pintura siempre se aplicará con un pincel, preferiblemente redondo, para que su aplicación quede uniforme sobre los labios.
Realizado por:Marian Lacida.
lunes, 8 de octubre de 2012
El término teatro procede del griego theatrón, que puede traducirse como el espacio o el sitio para la contemplación.
El teatro es tan antiguo como las personas, porque somos seres con la
habilidad y el deseo de gesticular, produciendo ademanes, voces,
actitudes... debido a la necesidad y al afán de comunicarnos. Cuando
los niños juegan a juegos de simulación, juegos de roles, de imitación
a la vida, al « como si... » y cuando los adultos nos disfrazamos,
bailamos en fiestas, en rituales, etc. nos acercamos a la esencia del
teatro. Los bailes de las sociedades primitivas y el espectáculo de
las ceremonias religiosas también se aproximan a la naturaleza teatral.
La
simulación, desde tiempos antiguos, ha sido necesidad práctica: los
habitantes de las cavernas, artistas mágicos, cazadores, atraían a las
presas con la imagen de una imitación que las sedujese. Se disfrazaban
de las fieras que buscaban, se revestían con sus pieles, fingían sus
movimientos y bramidos. He aquí los primeros gérmenes de teatralidad. En
la protohistoria, los demonios del bosque y los espíritus naturales,
eran imitados por el hechicero y se imponía de este modo a los «
espectadores » o fieles de la tribu. Utilizaba danzas, música, máscaras
en ritos con los que esperaba atraer las lluvias y aumentar las
cosechas. El chamán es considerado por algunos teóricos como el
primer actor, especie de mago, sacerdote y hechicero, cuya influencia en
la colectividad era enorme. Los chamanes contaban con un programa de
preparación que recuerda al de los actores, aprendían prestidigitación
y pantomima para realizar trucos, fingir desmayos, crisis nerviosas que
convencieran a los demás de su proximidad con la divinidad.
Las
personas utilizamos nuestro cuerpo para comunicarnos antes que cualquier
utensilio, por ello la dramatización precede a otras formas de
expresión. El teatro es una forma de arte en su dimensión más humana,
ya que la materia es la gente y su esencia, el conflicto. Nos
pintamos la cara y el cuerpo, inventamos el disfraz y la máscara,
practicamos el gesto para las ceremonias mágicas; luego descubrimos la
danza, el canto y el poema para las plegarias religiosas. La liturgia
nos dirige a establecer el diálogo, la acción y el decorado.
El imitar es connatural para las personas desde la infancia, el hecho es que todos gozamos con la imitación.
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